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Compte-rendu de la journée d’étude du Master LFC – Nantes Master/Classe.

Le compte rendu suivant propose de retracer la journée d’étude 2020 des Lettres Modernes. Revivez heure par heure cette journée qui était spéciale cette année en raison de la COVID-19. Elle a eu lieu en ligne et s’est déroulée en deux parties. Les participants de la journée devaient d’abord écouter les interventions en amont qui se présentaient sous forme de productions orales de huit minutes sous forme d’enregistrements audios, de vidéos, parfois accompagnés de diaporamas. Les participants se sont ensuite retrouvés le jeudi 7 mai pour poser des questions sur les interventions qu’ils ont écoutées. La journée a été pour de nombreux intervenants une expérience inédite composée de difficultés mais aussi de découvertes intéressantes.

            Voici une retranscription des interventions riches en contenu et originales : 

PREMIER PANEL

Le premier panel qui ouvre cette journée d’étude s’intitule « Pratiques énonciatives, de la fiction à la critique ». De la mise en scène du « Je » dans la littérature épistolaire médiévale à la pratique énonciative d’une autrice du XXe, entre biographie et sociologie, en passant par l’expérience de la création d’une énonciation par la pratique de la traduction, en faisant un dernier détour par l’énonciation si problématique de l’œuvre de Lautréamont, questionnée par une certaine critique, ce panel a pour objet des œuvres dont le discours devient critique. 

Ce panel a donné lieu à une première intervention avec pour sujet l’expression de la subjectivité dans la littérature épistolaire amoureuse au Moyen-Age. Au sein d’un corpus de lettres fictives tirées des Saluts et Complaintes, l’intervenant étudie la position énonciative d’un « Je » qui n’est autre qu’un auteur qui se met lui-même en scène, dans une tradition à la fois héritée de la rhétorique classique antique et des codes courtois médiévaux. Ces lettres, basées sur une poétique de l’aveu, s’inscrivent dans une lyrique des émotions. Il ne faut pas oublier qu’elles sont composées à partir d’un art poétique. Les lettres d’amour sont autant un art épistolaire (ars dictandi) que l’ art d’aimer (ars amandi) pour l’auteur qui se met en scène en les composant à travers une énonciation fictive et codifiée. 

La deuxième intervention concerne le travail de Louise Caillebotte sur deux œuvres d’Annie Ernaux, Passion simple (1992) qui raconte l’aventure adultère avec un homme et Mémoire de fille (2016) qui est le récit du premier rapport sexuel. Elle travaille sur l’ambiguïté du point de vue et l’effet de neutralité dans ces œuvres. Elle affirme qu’un contraste important frappe à la première lecture. Les œuvres oscillent entre des sujets ostensiblement engagés comme l’avortement clandestin, le transfuge de classe, la désillusion post 1968 et ce qui semble être une écriture avec un point de vue objectif. Louise s’emploie à étudier ce contraste dans les œuvres les plus personnelles d’Annie Ernaux puisque c’est dans les œuvres en question qu’il est le plus intéressant : comment la part la plus intime de la vie de l’autrice devient-elle un support de réflexion collective sur la domination masculine pour Mémoire de fille et sur la déromantisation de la passion dans Passion simple ? Pour cela, elle étudie la stylistique de l’énonciation et tout particulièrement ce qu’Annie Ernaux décrit comme une « écriture plate » dans L’écriture comme un couteau (2011). Cette écriture s’accompagne d’une revendication d’une écriture du réel qui n’est pas romanesque mais « auto-socio biographique », qui met de la distance avec un vécu parfois traumatique. Il semble pourtant que l’écriture d’Annie Ernaux ne se caractérise pas uniquement par la neutralité. Les jeux avec les points de vue permettent d’appréhender le vécu d’une première relation sexuelle. Le choix d’une écriture dépourvue d’affect semble se justifier pour Louise par la première hypothèse suivante. Le choix d’une forme neutre s’oriente vers la mise en avant d’un point de vue de femme. La distance avec la dimension intime du récit invite chaque lectrice à s’y reconnaître et souligne par le ton collectif la violence des événements. 

La troisième intervention intitulée « Traduire Alda Merini : enjeux poétiques de la traduction d’une œuvre poétique » s’inscrit dans le cadre d’un mémoire de traductologie. Alexandre Nedelec s’est donné pour mission d’interroger la cohabitation souvent difficile qui existe entre pratique et critique de la traduction. Après avoir sélectionné l’auteur à traduire dans une langue souhaitée – ici l’italien – il a fallu sélectionner un corpus défini. Ce n’est donc pas moins de vingt poèmes tirés des écrits précoces de la poétesse italienne du XXe siècle Alda Merini qui ont été retenus, par leur capacité à émouvoir mais aussi par certains thèmes récurrents liés à la spiritualité et à la mystique notamment. C’est cette tension entre l’âme spirituelle et le corps sensuel, irriguant les poèmes de Merini, qui intéressait Alexandre et le poussait à réaliser ce défi qu’est une traduction poétique. Deux mois de travail ont été nécessaires pour lier forme et fond, avec comme axe central le choix de la métrique de l’hendécasyllabe. Ce travail de traduction au long cours sera poursuivi par un temps de réflexion critique, où le traducteur commente son propre travail. 

Enfin, l’ultime présentation intitulée « Pleynet, Sollers et Kristeva, critiques de Lautréamont » pose la question de la réception critique de l’œuvre de Lautréamont, depuis sa réception par le groupe surréaliste jusqu’aux théories de la nouvelle critique des années soixante-dix, représentée par des auteurs tels que Pleynet, Sollers et Kristeva. Les nouvelles recherches et les derniers apports dans le domaine littéraire, psychanalytique et sociologique permettent de mettre à distance le mythe Lautréamont, basé sur l’imagerie erronée du poète maudit. L’œuvre devient le centre de l’attention critique et non plus l’homme fantasmé. Dans le cadre de l’analyse de l’œuvre de Lautréamont, ces trois critiques mettent en avant des conceptions nouvelles. Pleynet développe la notion de transgression culturelle, et affirme que le poète parodie les topoi littéraires de son époque. Sollers développe l’idée de Pleynet et la prolonge avec la notion d’intertextualité : Lautréamont joue avec tous les registres exploitables afin de mettre en avant les contradictions du discours humain. Kristeva quant à elle s’appuie sur les théories freudiennes. Par la sémiotique, elle affirme que les œuvres de Lautréamont mettent en scène un sujet en division, déchiré par les pulsions. Ces théories devront toutefois elles-aussi être examinées, et peut-être contestées puisque déjà bousculées par des nouveaux apports depuis les cinquante dernières années. 

DEUXIÈME PANEL 

Le second panel, intitulé « Corps et violence du XXe au XXIe siècle » a cherché à montrer comment il était possible de représenter la violence, l’horreur en littérature. En effet, comment exprimer une chose, un événement, pour lequel on n’a pas de mots, comment exprimer ou représenter l’indicible ? Avec des thématiques variées, les intervenants ont voulu présenter la violence dans la littérature, les formes qu’elle pouvait prendre et par extension, le résultat de cette prise de parole pour les auteurs : une délivrance, la volonté d’un devoir de mémoire ou encore la représentation des vices de l’homme ou des corps souffrants là où les mots ne suffisent plus.

Dans une première intervention, nous avons pu voir que l’écriture, chez Edouard Louis, pouvait être un moyen de désarmer les violences systémiques. Rappelons que les violences systémiques sont les violences que subissent des personnes de manière systématique (discriminations de genre, de classe ou encore raciales par exemple). L’enjeu de l’écriture chez cet auteur est de dénoncer les violences, qu’elles soient familiales, sociales ou politiques puisque les carcans sociaux en place condamnent l’homosexualité d’Eddy Bellegueule dans le roman éponyme. Le langage devient alors l’outil de l’expression de la violence. Dire la violence ici est donc une façon de résister, de ne rien céder au mutisme que tente d’imposer la société.

Dans un tout autre contexte, l’horreur des bombardements atomiques survenus à Hiroshima en 1945 est également un sujet difficile à exprimer. La violence est telle que les mots ne viennent pas. Pourtant, il faut raconter, il faut dire l’horreur, d’abord pour le devoir de mémoire, pour réhabiliter les victimes perçues comme des parias, mais aussi pour montrer la réalité, pour faire éclater la vérité. Nous avons pu découvrir notamment trois auteurs : Tamiki Hara, un survivant direct de la catastrophe, John Hersey, un journaliste américain qui restitue les témoignages de six survivants et Masuji Ibuse qui a écrit une vingtaine d’années après la catastrophe, et qui construit son livre à partir de documents d’époque (journaux, conversations avec les survivants). L’accent, dans les œuvres de ces trois auteurs, est mis sur la déshumanisation des victimes, les corps meurtris sont décrits de manière très crue puisque leur volonté est de décrire l’horreur telle qu’elle est. Il y a une volonté de réalisme, pour donner à voir la violence dans son ensemble, telle qu’elle s’est produite.

La violence nous a également été présentée dans le théâtre contemporain : celui de Bernard-Marie Koltès et d’Howard Barker. Pour exprimer la violence, les deux dramaturges optent pour l’emploi de l’aposiopèse, qui est en rhétorique une interruption brusque du discours, traduisant une émotion ou une hésitation. Cette interruption de la parole sert à mettre en évidence le fait que la langue est en pleine crise, elle subit alors une fragmentation. Le corps est très présent dans le théâtre de ces deux dramaturges, et sert à montrer physiquement la tension, la souffrance qu’il peut y avoir chez l’homme et dans le monde environnant de manière plus générale. Là où la communication ne passe plus, où le langage atteint ses limites, le corps prend alors le pas et devient le lieu où les personnages laissent éclater leurs frustrations et leurs vices humains. Le langage et le corps permettent alors de révéler une source conséquente de violences.

Ce panel nous permet de remarquer que l’écriture de la violence n’est pas toujours simple, les mots ne suffisent pas toujours et dans certains cas, nous avons pu voir que la langue atteignait ses limites. Cependant, dans ce besoin, cette urgence de dire, de représenter l’horreur, il est intéressant de constater les procédés utilisés pour contrer cette limite de la langue et de voir que, malgré les difficultés à exprimer cette violence, la volonté de dénonciation, de mémoire ou encore de délivrance reste la plus forte.

TROISIÈME PANEL 

Le panel suivant intitulé « Position auctoriale et écritures transgressives » a eu la volonté de mettre l’accent sur deux axes : d’abord sur le fait que l’écrivain n’est pas toujours l’unique auteur de son livre, que dans certaines œuvres, notamment celles de Marcelle Tinayre, la position auctoriale pouvait être complexe dans la mesure où les personnages ont une voix qui leur est propre et qu’ils veulent la faire entendre ou encore que la polyphonie textuelle pouvait également se faire ressentir dans des ouvrages originaux écrits à plusieurs mains, de façon parfois anonyme. Dans cette mesure, une question se pose alors : Comment analyser un texte dont les auteurs ne peuvent être identifiés ?

Mais le panel était également axé sur une autre dimension, celle des écritures transgressives ; transgressives dans le sens où de nouveaux personnages apparaissent tels que le traducteur fictif par exemple, ou de nouvelles formes d’écriture, comme le roman-jazz.

            La première intervention a porté sur ce que l’intervenante a appelé le paradoxe tinayrien ou le moment où la polyphonie rend le verbe performatif. Le « paradoxe tinayrien » s’appuie sur les œuvres de l’autrice Marcelle Tinayre, une femme de lettres qui a marqué la « Belle Epoque ». La position auctoriale dans les œuvres de cette autrice est relativement complexe. En effet, bien que Tinayre soit l’autrice de ces romans, ses personnages ont une épaisseur concrète, et s’emparent du verbe. Ils deviennent à leur tour auteurs et s’approprient alors la création. Ils ont désormais une voix et une importance capitale puisque la position auctoriale est alors partagée entre Marcelle Tinayre et ses personnages.

            Mais la polyphonie textuelle peut également apparaître au sein même d’une œuvre, entre différents auteurs. L’écriture peut alors être perçue comme une écriture à plusieurs mains et, dans le cas des œuvres qui nous ont été présentées Truander le réel, article de la revue « Parade » et Le Livre des Schlags écrit par le collectif « Scolopendre », comme des écrits collectifs et anonymes.

L’étude ici est axée autour de la sémiotique et de la stylistique et l’intervenante s’est demandée comment nous pouvions lire un texte et l’étudier quand il n’a pas d’auteur ou d’autrice à proprement parler. L’enjeu de ce travail est de montrer que ces deux œuvres, qui cherchent à dépasser les formes esthétiques classiques, ont une histoire littéraire et artistique et qu’elles se trouvent également liées à la politique.

            Ensuite, nous avons eu une intervention sur l’émergence d’un nouveau personnage en littérature au XXe siècle, la figure du traducteur fictif. Grâce à une écriture que l’on pourrait qualifier de « transgressive », la figure du traducteur gagne en visibilité. Jusqu’alors, dans une œuvre, le traducteur était une figure en marge, que l’on ne voulait pas voir, que l’on mettait de côté. Mais, au XXe siècle cette vision commence à changer puisque les études traductologiques voient le jour. A partir de ce moment, les traducteurs acquièrent une reconnaissance sociale et cela passe par la littérature puisqu’il y a une émergence du nouveau personnage du traducteur. Cette création littéraire est une forme de revendication.

Le personnage du traducteur en littérature se veut assez semblable à l’image qui est faite du traducteur dans la société. Dans la majorité des cas, les auteurs construisent des personnages fictifs marginaux, instables, et c’est cette marginalité qui souligne leur invisibilité. Cependant, dans la fiction, le personnage du traducteur est mis en avant. La littérature contribue donc à lui redonner l’importance qu’il mérite, à lui redonner de la visibilité et à lui enlever son critère de marginalité.

            L’écriture peut donc être transgressive dans la conception de nouveaux personnages, mais également dans sa forme même. En effet, le roman peut se vouloir engagé. C’est le cas notamment du roman-jazz qui est un roman social. Le travail de cette intervenante avait pour projet de montrer comment les romans de Vian, Kerouac et Cortazar s’approprient le jazz et en quoi ils constituent des romans sociaux à travers de nouveaux modes d’écriture.

            Ce panel nous permet donc de nous intéresser à de nouvelles formes d’écriture, qu’il s’agisse d’écritures polyphoniques ou d’écritures transgressives et nous montre que la figure de l’auteur n’est pas toujours aussi simple que l’on peut le penser. En effet, l’auteur peut être difficile à cerner et parfois même très complexe.

DERNIER PANEL

Le dernier panel « Limites du conscient, limites du réel », propose une exploration d’espaces littéraires aux frontières de la conscience. Les thèmes développés lors des différentes interventions sont souvent considérés comme relevant de la marge : le monde onirique chez des auteurs du XIXème siècle, l’expérience poétique de l’ivresse mise en scène par des poètes de l’Antiquité, occidentale et orientale, et enfin la notion de perte de repères face à des descriptions d’environnements imaginaires. 

La première intervention porte sur la représentation du cauchemar comme matériau littéraire chez deux auteurs du XIXe, E.T.A Hoffmann et Aloysius Bertrand. Pour ces deux auteurs romantiques, les espaces oniriques du rêve et du cauchemar sont propices à la création de nouvelles formes narratives. Ainsi, la riche vie intérieure des personnages de ces œuvres influence et modifie l’expérience réelle vécue. La frontière entre réalité et inconscient est donc extrêmement ténue. Visions, sons étranges, mauvais présages peuplent ces univers littéraires nourris de fantastique et construits sur la confusion. 

La seconde intervention traite quant à elle du lien entre sagesse et ivresse chez trois poètes de l’antiquité : Horace pour l’occident romain du Ier siècle avant Jésus-Christ, Li Bai et Omar Khayyam pour l’orient des VIIe et XIIe siècle de notre ère. Cette communication vise essentiellement à contrer un préjugé qui voudrait présenter le sage enivré comme une simple figure de jouisseur comique. Or, chez ces trois poètes, on découvre une véritable richesse philosophique et spirituelle, tant du côté de l’épicurisme pour Horace, du soufisme chez Khayyam et du taoïsme chez Li Bai. Enfin, il s’agit de montrer que ces poètes, par l’expérience de la poésie enivrée, se mettaient en scène et avaient une posture ambivalente, entre sérieux et liberté de ton, qui aurait peut-être contribué à les immortaliser. 

La dernière intervention de ce panel traite de la description d’environnements fictifs qui relèvent d’une réalité extérieure à notre propre représentation du réel. En effet, la question posée par l’intervenante vise à apporter une réponse à une anomalie première : puisque toute description est intimement liée à la culture dans laquelle nous évoluons, et qui influence notre langue, comment dire l’indicible, lorsque les mots pour le faire n’existent même pas ? En effet, décrire un environnement fictif, mais basé sur une réalité bien connue des lecteurs, ce n’est pas tout à fait la même chose que d’inventer une forme de vie totalement ex-nihilo par la seule force de l’imagination, et qu’il sera tout bonnement impossible d’appréhender. Finalement, le goût pour l’altérité ou l’exotisme n’a de sens que lorsqu’il nous apprend quelque chose sur les limites de notre propre réalité. 


Cette journée d’étude, particulière dans son organisation cette année en raison du contexte sanitaire lié à la COVID-19, a donc été une réussite. Pouvoir maintenir cette journée de manière numérique a demandé beaucoup d’organisation et de modifications de la part des différents groupes d’étudiants qui ont participé à son bon fonctionnement. Enfin, nous voulons remercier particulièrement Mme. Labbé, qui a supervisé l’organisation de cette journée, et qui a décidé de la maintenir malgré les contraintes, ainsi que tous les professeurs qui ont participé à cette journée et qui ont accepté de présenter les différents panels.

Compte-rendu de la journée d’étude du Master LFC – Nantes Master/Classe :

       Les étudiants du Master LFC de Nantes ont organisé, au côté de Madame Mathilde Labbé (Maître de Conférence en littérature française du XIXe-XXIe siècle), la journée d’étude du master pour sa troisième édition. La journée s’intitule désormais Master/Classe. Elle s’est déroulée dans des conditions particulières. Les contraintes liées à l’épidémie de coronavirus ont en effet donné lieu à une nouvelle organisation. Cette année la journée d’étude a donc été virtuelle. Elle s’est tenue en deux temps, chacun a d’abord eu l’occasion de prendre connaissance des communications des étudiants, postées sur une page dédiée du site internet de la journée d’étude. Puis les étudiants, les professeurs et tous ceux qui le souhaitaient, ont pu participer à un moment d’échange, maintenu grâce à la plateforme en ligne Madoc de l’université de Nantes.

         Le 07 mai 2020, Madame Labbé a inauguré ce moment d’échange par un bref discours de présentation. Elle a rappelé la qualité d’adaptation des étudiants, qui ont su mettre en œuvre cette virtualisation de la journée d’étude. Elle a également expliqué les raisons qui l’ont amenée à maintenir cet événement. Il s’agissait bien sûr de conserver le lien entre les professeurs et les étudiants, mais surtout de rendre visible et de valoriser le travail des masterants. Il est vrai que la Master/Classe a permis de découvrir à quel point les thématiques abordées par les étudiants dans leurs communications s’inscrivaient parfaitement dans l’actualité critique. Preuve de la réussite de l’articulation entre la journée d’étude et le Master LFC, les intervenants ont su transformer les travaux qu’ils mènent dans le cadre de leurs mémoires de recherche en communications brèves mais denses. On ne peut nier que la nature même de l’exercice ne permettait en aucun cas aux étudiants d’organiser leurs communications autour d’un seul grand thème. Dans un souci de cohérence, ils ont, par conséquent, fait le choix de regrouper leurs interventions selon quatre grands panels.

         Le premier panel s’intitulait « Pratiques énonciatives de la fiction à la critique ». Il a été présenté par Mme Labbé, son objet était l’étude de l’énonciation dans ses formes et ses pratiques. Dans sa communication intitulée « L’expression de la subjectivité dans la littérature épistolaire amoureuse au Moyen-Âge », Guillaume Besson étudie l’expression des sentiments amoureux à la première personne dans les lettres d’amour médiévales. Ces dernières se trouvent à la frontière entre un art d’aimer (ars amandi) et les arts épistolaires (artes dictaminis). Le genre épistolaire, par sa nature hybride, mêle l’influence de différentes conventions, celle de la poésie lyrique notamment. Comment comprendre l’expression de sentiments passionnés dans le cas d’une littérature à forte contrainte telle que la littérature épistolaire du Moyen-Age ? Guillaume Besson propose de répondre à cette question en scrutant l’émergence de la singularité d’une voix à travers la double dimension des Saluts et complaintes composant son corpus. Les Saluts et complaintes s’articulent en effet entre une parole lyrique, figurant une subjectivité émotionnelle, et une utilisation des codes de la rhétorique courtoise et de l’art épistolaire. Selon Guillaume Besson l’étude de la rhétorique courtoise dans le corpus des Lettres d’amours du Moyen-Age qu’il a étudié peut nous informer sur le rapport du « je » à l’autre. Considérant la parole du « je » au Moyen-Age, il rappelle qu’il s’agit davantage d’une posture d’auteur que d’une réalité individuelle. La question de l’authenticité des documents n’est pas abordée (il s’agit peut-être plus d’un travail d’historien), les Saluts et complaintes sont effectivement envisagés comme un corpus d’épîtres amoureuses poétiques et fictives. Guillaume Besson mène donc, entre autre, une réflexion d’ordre générique : la forme même de la lettre permet une expression singulière de la subjectivité.

         Nous faisons par la suite un bond dans le temps avec la communication de Mme Louise Caillebotte qui portait sur l’ « ambiguïté de point de vue et illusion de neutralité dans l’œuvre d’Annie Ernaux ». Le corpus qu’étudie Louise Caillebotte est composé des livres Passion simple et Mémoire de fille, l’autrice y aborde notamment des thématiques socio-politiques telles que l’avortement clandestin ou le transfuge de classe. On retrouvera, par ailleurs, la notion de transfuge de classe, dans la communication de Mme Claire Chopin au sujet d’Édouard Louis, les deux auteurs sont en effet des représentants modèles de ce concept sociologique. Selon Louise Caillebotte, le récit personnel que développe Annie Ernaux permet une réflexion collective et politique, dont l’un des moyens d’actions serait le style. C’est donc grâce à une approche d’ordre stylistique qu’elle entend démontrer comment le double point de vue dans Mémoire de fille, les choix descriptifs, le vocabulaire et le registre de langage permettent d’anonymiser le propos de l’autrice pour mieux éloigner l’intime au profit d’une projection collective. Avec deux extraits textuels portant sur des expériences sexuelles, Louise Caillebotte montre toutefois que l’écriture d’Ernaux n’est ni dépourvue d’affect, ni objective ; elle déclare : « [Annie Ernaux] Ne semble pas vouloir se détacher de son point de vue subjectif de femme ». Les échanges ont conduit la discussion autour de la question de la visibilité de l’autrice. Si l’étude de l’œuvre d’Annie Ernaux est féconde à l’université (voir les travaux de Violaine Houdart-Merot et de Pierre-Louis Fort par exemple), Louise Caillebotte déplore son absence des programmes du secondaire. Enfin, elle rapproche « l’écriture plate » d’Annie Ernaux au style de Marguerite Duras, deux autrices qui abordent dans leurs œuvres l’expérience féminine.

         Toujours à travers le prisme de l’étude de l’énonciation, Alexandre Nedelec a présenté son projet de traduction de la poétesse italienne Alda Merini (1931-2009), on notera l’effort de théâtralisation de son propos. Mr Nedelec a d’abord justifié son désir de traduire « la Merini » : son œuvre est peu connue en France et l’esthétique comme la spiritualité des textes de la poétesse milanaise lui ont particulièrement plu. Chez Alda Merini, les dimensions mystiques, charnelles et psychologiques ne font qu’une. Dès lors se pose la question de la possibilité de traduire cette parole poétique si particulière. C’est pourquoi Alexandre Nedelec présente cette traduction poétique comme un défi. Il souhaite en outre écarter les problématiques d’ordre éthique, concernant notamment la fidélité au texte original, et de cette manière aller au-delà de l’adage « traduttore tradittore » . C’est en effet un adage quelque peu vieilli, encore qu’il semble toujours présent dans les mentalités. Ainsi, il nous invite dans son atelier de traducteur et nous explique comment il a cherché à rendre la musicalité si caractéristique des poèmes de Merini. Le choix de l’hendécasyllabe, découvert grâce à sa lecture de Marceline Desbordes-Valmore, lui permet de donner l’illusion de proximité avec le vers traditionnel italien ; à la mélodie, Alexandre Nedelec, semble préférer le rythme. On peut y voir un exemple de « négociation » , notion qu’il évoque à la suite d’Umberto Eco (Dire presque la même chose). Suite à une question qui portait sur l’utilisation des notes de bas de pages, Mr Nedelec a expliqué qu’il les refusait pour ne pas en dire trop ni provoquer des biais de lecture. Il nous propose pour finir ses trouvailles d’ordre traductologique, au sujet de traduction de la cohérence et l’incohérence par exemple. Il utilise la métaphore du taquin, genre de casse-tête, pour décrire le travail de traduction. Nous aurions apprécié entendre quelques vers traduits, afin de goûter à la musicalité provoquée par la rencontre entre la poésie d’Alda Merini et Alexandre Nedelec.

         Dans sa communication intitulée « Pleynet, Sollers et Kristeva, critiques de Lautréamont », Jérémie Esnault a exposé ses recherches portant sur la réception critique de l’œuvre de l’auteur des Chants de Maldoror. Selon Jérémie Esnault, la réception de Lautréamont est aussi confuse que sa réputation. Dans son mémoire, il entend exposer, analyser et expliquer les raisonnements des trois critiques Pleynet, Sollers et Kristeva. Grâce à une brève présentation de la Nouvelle Critique, Jérémie Esnault montre comment les nouveaux concepts créés par les critiques, tel que le refus de la figure de l’auteur au profit de la figure du lecteur ou encore l’infinité de sens, permettent une compréhension nouvelle de la pratique énonciative de Lautréamont. Jérémie Esnault a ensuite exposé les différentes lectures critiques qu’ont mené Pleynet, Sollers et Kristeva à travers une sélection de certains concepts qu’ils ont forgé. Il a évoqué dans un premier temps la transgression chez Pleynet, puis l’intertextualité comme une continuation de la théorie de Pleynet pour Sollers. Enfin, il a abordé les lectures de Kristeva, influencées par la psychanalyse de Freud (mais aussi lacanienne), et notamment les notions de fonction sémiotique et fonction symbolique, en tant que possibilité d’étudier la fracture du sujet, entre pulsion et censure sociale. Toutefois, le travail de Jérémie Esnault ne s’attache pas uniquement à transmettre les théories des critiques, mais aussi à les questionner voire les contester. Il rappelle ainsi que la parole critique est située et marquée par des positions parfois radicales. Il évoque notamment le cas des théories freudiennes, jugées comme des outils critiques contestables. Les échanges entre les participants de la journée d’étude, ont d’ailleurs porté sur l’accueil de ces lectures critiques dans le champ littéraire. Ont-elles donné lieu à des polémiques ? Jérémie Esnault répond par la négative : pas à une polémique, mais à une prise de distance avec « l’emphase métaphysique » des critiques. C’est également le cas de la critique Lucienne Rochon qui écrit, elle aussi, dans les années 60. Ainsi, avec Jérémie Esnault, la parole critique devient elle-même une pratique énonciative à analyser ; elle peut, par ailleurs, être travaillée par la pratique poétique.

         Dans toutes les communications du panel « Pratiques énonciatives de la fiction à la critique », des biais éthiques et esthétiques ont été révélés qui permettent l’énonciation. Nous avons pu constater : que l’expression libre d’une parole subjective pouvait se cacher au sein d’un genre a priori contraint, tel que le genre épistolaire ; puis qu’une parole autobiographique paradoxalement anonymisée permettait d’atteindre le collectif. Ainsi, un exercice contraignant pour l’énonciation devient l’occasion d’un dépassement : la traduction d’une parole poétique particulière permet au traducteur d’aller au delà d’une méthodologie clivante, et un auteur jugé hermétique donne la possibilité d’assumer les positions d’une nouvelle école critique. La littérature ne serait-elle pas un véritable art du détour ?

         Le second panel, « Corps et violence du XXe au XXIe siècle », était présenté et modéré par Monsieur Fréderic Le Blay (Maître de Conférence, spécialiste de philosophie antique et d’histoire des sciences notamment). Dans ce panel, les trois intervenants se sont interrogés sur les enjeux historiques, sociaux ou esthétiques de la mise en écriture de la violence et de la destruction du corps.

         Madame Claire Chopin a étudié la question de la violence dans l’œuvre d’Édouard Louis. Dans sa présentation intitulée « Édouard Louis, l’écriture pour désarmer les violences systémiques », elle s’est demandée dans quelle mesure l’écriture de l’auteur répondait à la nécessité de décrire les violences sociales, physiques ou politiques pour mieux les désarmer. Chez Louis, la violence se voit liée à différents corps, que sont les corps intimes et les corps sociaux. Claire Chopin mène une étude stylistique et montre comment le langage littéraire devient un outil de dénonciation des violences. Ainsi l’italique pour caractériser le discours rapporté, représente une frontière entre le narrateur et ses bourreaux. L’œuvre d’Édouard Louis permet à Claire Chopin d’engager à travers l’étude de la représentation des violences systémiques une réflexion sur les corps blessés et blessants, mais aussi sur le lien entre idéologie et littérature. La seconde partie de sa présentation portait notamment sur l’engagement politique dans l’œuvre de Louis. Nous commencerons par émettre quelques réserves quant à deux expressions utilisées par Claire Chopin. Nous nous demandons en effet ce qu’elle entend par « radicalisation littéraire » : des précisions et quelques exemples auraient été les bienvenus ; si faire entrer la violence politique contemporaine dans les thématiques d’un roman participe d’une forme de radicalité, peut-on dire, par exemple, que Balzac ou Zola sont des auteurs radicaux ? Enfin l’expression « porte-parole de la gauche radicale » semble davantage appartenir à l’écriture journalistique qu’universitaire, elle appelle donc, elle aussi, une justification. L’ultime questionnement de Mme Chopin portait sur la valeur du récit d’Edouard Louis en tant que transfuge de classe, autrement dit sur la possibilité de militer en littérature, par l’écriture, sans être directement concerné par les problématiques que l’on décrit (dans le cas présent celles de la domination sociale). C’est une vaste question à laquelle la chercheuse Laelia Veron, spécialiste de stylistique, donne ce qui peut être un début de réponse, dans un article considérant, précisément, les récits intimes de transfuges de classe. Elle écrit : « on peut penser qu’il est possible de s’affirmer comme sujet politique et de s’engager auprès de la classe ouvrière sans parler à sa place.»

         Corentin Le Corre a quant à lui proposé une communication intitulée : « Destruction des villes et des corps, la violence et l’horreur dans la littérature post-Hiroshima ». Avec un corpus composé de trois œuvres ( Hiroshima : Fleur d’été de Tamiki Hara, Hiroshima de John Hersey et Pluie Noire de Masuji Ibuse), il interroge l’influence de la nature des différentes œuvres sur l’écriture de la violence, de l’horreur et de la destruction. Pour écrire l’horreur de la catastrophe, sa réalité, il semblerait que ces auteurs utilisent systématiquement la description des corps meurtris et des ruines. Ils provoquent ainsi des images d’horreurs marquantes, au moyen de différents procédés tel que la déshumanisation des victimes par exemple. Le réalisme cru permet aussi d’impacter le lecteur. Cela rejoint la question de la fonction du témoignage qu’avait posé Claire Chopin. En effet, l’une des différences majeures entre les auteurs du corpus présenté par Corentin Le Corre est leur situation vis-à-vis de la catastrophe et du récit qu’ils en font. Témoin direct, auteur qui reconstitue un « je » fictionnel vingt ans plus tard, ou auteur d’un article narratif pour un lectorat américain, autant de postures qui constituent divers moyens de montrer la réalité ou d’effectuer un travail de mémoire. C’est ainsi qu’il répond à la question du rôle que l’artiste choisit d’endosser face à la violence : il témoigne, informe et dénonce.

         Dans la dernière communication du panel, nous entrons dans le domaine du théâtre. Justine Landel propose une réflexion autour des différentes formes de violences dans le théâtre de Bernard-Marie Koltès et Howard Barker. Dans cette étude comparée, elle examine les vecteurs d’une violence théâtrale mise en scène à la fin du XXe siècle. Elle étudie la fragmentation du langage qui révèle l’impossibilité de communiquer. Telle une faillite, le langage demeure inadapté. Dès lors, le corps se trouve convoqué afin d’exprimer une intériorité qui peine à se dire par la langue. Dans ce théâtre de la catastrophe, les corps – tant le corps du texte que le corps physique – sont révélateurs des vices de l’homme. Le corps souffrant devient le lieu des frustrations et la violence s’exprime dans le rapport à l’autre et à soi. Ici aussi la violence permet d’adopter, à travers ce que Justine Landel appelle une « poétique de la barbarie », une posture face à l’Histoire. Elle s’interroge également sur la réception des pièces qu’elle étudie. Vécue comme une véritable expérience théâtrale, la violence de la mise en scène active une dépossession de soi. Les échanges ont menés à une ouverture du panel « violence et corps » vers la question de la douleur, effectivement liée aux thématiques abordées par les intervenants.

         Dans les trois communications, les œuvres littéraires étudiées s’adressent donc aux corps violentés et aux corps violents. Il semblerait également que l’écriture de la violence permette de dire « vrai », de décrire une réalité historique, sociale, philosophique, etc. Par là même, elle participe d’une forme de révélation par la lettre de ce qui demeure invisible, caché ou tabou.

         Le troisième panel « Position auctoriale et écritures transgressives » a mis en évidence l’ambivalence de l’autorité littéraire, qu’elle soit désirée ou rejetée. Il était présenté par M. Nicolas Correard. Le long vingtième siècle y apparaissait comme lieu de remise en question de l’autorité littéraire de l’écrivain, détournée par l’autrice, le traducteur, l’improvisateur ou le « truand » littéraire moderne, héritier du situationisme.

         C’est d’abord la figure de Marcelle Tinayre, doublée de celles de ses personnages féminins, que Mme Orianne Lemoine nous a proposé d’interroger au cours d’une intervention élégamment intitulée « Le paradoxe tiraynien, quand la polyphonie rend le verbe performatif » . Marcelle Tinayre (1870-1948), autrice de la Belle Époque, se définit elle-même comme intellectuelle et dresse des portraits de femmes-artistes. Dans un premier mouvement, Mme Oriane Lemoine témoigne de la soumission de ses héroïnes à un ordre social. L’époque est favorable aux romans écrits par des femmes sur des femmes. Les thèmes abordés sont ceux attendus des romans de gare de l’époque (quête amoureuse, soin du ménage et des enfants). Ceux-ci transmettent une doxa à laquelle les héroïnes se soumettent dans un premier temps, faisant l’expérience du monde et de la société et renonçant à la culture et l’esprit créatif qu’elles ont développés. Dans ces romans qu’elle apparente à des romans de formation (Bildungsroman) féminins, Orianne Lemoine montre cependant dans un second temps comment les héroïnes acquièrent au fil du récit une autonomie de femme-auteur. En effet, elles font entendre des voix singulières qui leur permettent de transcender l’univers masculin, comme l’autorité de celle qui les crée. Pour décrire ce phénomène, Orianne Lemoine utilise la notion de polyphonie et recoure à l’expression du « Verbe » biblique. Dépassant l’autrice, transmettant la profondeur d’une époque historique, la diversité des énonciations rend selon Orianne Lemoine le récit performatif, laissant ces femmes recouvrir le pouvoir du Verbe et reprendre la main sur leur propre formation (Bildung). La discussion a souligné les enjeux de cette émancipation féminine par l’écriture qui ne dispose pas d’outils théoriques sur lesquels s’appuyer. Elle a mis en regard la position de Marcelle Tinayre avec celles d’Annie Ernaux ou d’Edouard Louis – adossées à la sociologie de Bourdieu. Elle a également questionné le processus d’oubli et de redécouverte de l’oeuvre.

         La femme-artiste n’est pas la seule à revendiquer au début du 20e siècle sa puissance auctoriale. La figure atypique du traducteur fictif était le second exemple du panel. Mohammed El Meschraffi proposait un travail original qui étudie l’apparition au 20ème siècle de cette nouvelle figure romanesque : « Le traducteur fictif, émergence d’un nouveau personnage ». Le jeu sur les stéréotypes y contribue, comme chez Marcelle Tinayre, à briser les évidences et réhabiliter le travail d’auteur-traducteur. Le traducteur apparaît comme une figure marginale en retrait de la société, comme celui de la nouvelle « Guy de Maupassant » de Isaac Babel qui refuse un travail d’employé de bureau pour ce petit boulot peu rémunérateur. Mohammed El Meschraffi articulait sa présentation autour de trois figures de traducteurs fictifs. Dans « le traducteur-kleptomane », chapitre du roman Kornel Esti de l’auteur hongrois Deszö Kosztolanyi (1885-1936), le narrateur trouve un travail anonyme – traducteur de fiction – à un cleptomane qui propose une traduction sublime mais qui ne peut s’empêcher de dérober objets et sommes d’argent aux personnages du mauvais roman policier qu’il transforme en œuvre d’art. Le traducteur fictif des Nègres du traducteur de Claude Bleton prend le contre-pied de la soumission morale à l’œuvre originale, décrivant un traducteur qui achète les romanciers afin qu’ils écrivent les œuvres de ses traductions, allant jusqu’à les tuer lorsqu’ils se révoltent. Ainsi marginalisé, criminalisé par l’inconscient collectif qui fait de la fidélité à l’œuvre une question d’éthique, le traducteur fictif possède, selon Mohammed El Meschraffi une parenté avec le picaro espagnol. Cherchant à gravir les échelons des lettrés pour accéder au statut d’auteur, il déforme la réalité et est condamné à échouer. Par le comique il relève les clichés et les réalités sociales de sa condition. Dans La Vengeance du traducteur, Brice Mathieussan met en scène un traducteur qui s’exprime à travers les notes de bas de page, réduisant peu à peu le roman à peau de chagrin tout en plongeant le lecteur au cœur du travail de traduction. Grâce à la fiction le traducteur est ainsi mis en avant et sa criminalité, assumée, le conduit à acquérir l’auctorialité. La réhabilitation de la figure du traducteur, ces écritures qui sont aussi des manifestes d’écrivains eux-mêmes traducteurs vont ainsi jusqu’à réfléchir le genre romanesque dans une perspective postmoderne, et participent à réinventer son intrigue.


         La troisième communication du panel, résolument contemporaine, s’intitulait « Anonymat et limites littéraires : marges vivantes, formes mouvantes ». Garance Mauris nous invitait justement à reconsidérer l’objet littéraire à travers deux œuvres éclectiques, Truander le réel, deuxième numéro de la revue « Parades » tiré à 500 exemplaires et regroupant 32 textes indépendants ( histoire, entretiens, manifestes, poésie…) et Le Livre des Schlags constitué de cinq parties indépendantes (photos, poésie, contes…). Celle-ci structurait sa présentation autour de trois axes. D’abord, l’analyse des notes de bas de pages, mais aussi du rapport qu’entretiennent les textes avec l’image, la présence et l’utilisation de préface et de postface, de citations, d’ilôts textuels l’ont conduite à interroger l’objet littéraire dans son aspect sémiotique (étude des systèmes de signes, du sens) autant que stylistique (analyse de la forme et de la langue du texte). Ensuite, en revendiquant artistiquement et politiquement l’anonymat, ces œuvres questionnent la possibilité d’une auctorialité collective, unifiée par une expression ou un référentiel commun. C’est cette seconde partie qui interrogeait à proprement parler la position d’auteur. La dernière, enfin, resituait le travail dans son intertextualité, lui offrant un éclairage historique. Cette quête de l’ « art pour la politique et la politique pour l’art » est pour elle l’héritière du situationnisme, et propose délibérément un objet intrigant remettant profondément en question les attentes du lecteur. Il s’agit selon l’expression de Guy Debord de dépasser les formes esthétiques pour « un emploi unitaire de tous les moyens de bouleversement de la vie quotidienne ». La situation littéraire entre en écho avec une situation politique. Garance Mauris s’employait, dans cette dernière partie, à l’exploration des notions de mythographie et de psychogéographie. Cette dernière prend pour théâtre la ville, construite par l’errance. Truands, schlags, animaux fantastiques ou issus du bestiaire surréaliste (comme les rats), y construisent une mythologie moderne autour du peuple. Cette toile de fond situationniste offre ainsi à ces œuvres un référent commun questionnant la manière d’habiter la ville comme de s’en émanciper. Cette intervention a soulevé quelques questions autour de la nécessité de forger de nouveaux outils d’analyse pour ces œuvres originales.

         La dernière communication, « Le roman-jazz et écriture transgressive » n’avait malheureusement pu être accessible en ligne pour des questions techniques, et Julie Jauffrineau nous en a donc offert un court aperçu durant la matinée du 7 mai. Elle développait l’influence du jazz sur la forme romanesque. Il s’agit de références dans le corps du roman à une chanson ou un air musical qui viennent colorer une scène. Il s’agit aussi d’une influence sur la forme même du roman, qui s’inspire des outils développés par les musiciens pour improviser, développer des variations et écrire en continu ou à plusieurs mains. Le jazz porte avec lui la lutte pour l’émancipation afro-américaine et par extension toute forme de lutte libératrice. Il dépasse les formes qu’il a élaborées et les remet en jeu constamment. Les interrogations ont porté sur la manière dont le jazz influençait le rythme de l’écriture, Kerouac lui-même se comparant à un joueur de blues improvisant un dimanche après-midi lors d’une session de jazz.

         Ce troisième panel a ainsi permis d’interroger l’auctorialité, qu’il s’agisse de la revendiquer, de l’effacer ou d’en réinventer de nouvelles formes. Transgressant les limites usuelles offertes à l’auteur, ces écritures offrent des ouvertures vers une post-modernité plurale, entre dialogisme, traduction, création collective, improvisation et anonymat.

          Le quatrième panel, « Limites du conscient, limites du réel » était présidé par Mme Peyrrache-Leborgne et regroupait les travaux d’étudiants portant sur le rêve, l’ivresse et la description de l’inconnu.

          Pour illustrer le franchissement de la limite entre réel et imaginaire, Marine Corbin a proposé un exposé sur « La représentation du cauchemar chez Aloysius Bertrand et Hoffman ». La description d’un souvenir factice aux allures de réel permet à ces auteurs d’estomper la limite entre rêve et réalité. S’inspirant des gravures déjà anciennes réalisées par le lorrain Jacques Callot dans la première moitié du 17e siècle, qu’ils citent en sous-titre de leurs recueils, Contes nocturnes et Fantaisies. A la manière de Callot pour Hoffman et Gaspard de la nuit. Fantaisies à la manière de Rembrandt et de Callot pour Aloysius Bertrand, les artistes nourrissent leurs fantasmes de personnages grotesques issus de temps anciens. Ces gravures inspirent également les situations, comme Les Misères de la guerre et ses images de pendaisons. L’ouïe fait office de pont entre réel et imaginaire en permettant aux sons de prendre une grande importance dans le récit. Ce sens est en effet mis en exergue à l’égal de la vue dans « Un rêve » d’Aloysius Bertrand : « Ainsi j’ai entendu, ainsi je raconte » ou tirant le rêveur du sommeil dans le cas du chant du coq. Déformés par la peur, les sons participent à estomper la frontière entre réalité et univers fantastique, les peurs de la nuit imprégnant la veille d’un fantastique cauchemardesque. Cette « inquiétante étrangeté », pour reprendre le titre de l’essai de Sigmund Freud, et qu’il emprunte aux romantiques allemands comme Hoffman et Schelling a été soulignée par la discussion. Mme Peyrrache-Leborgne a questionné les intervenants sur la pertinence des théories freudiennes de l’inconscient comme outil d’analyse des œuvres étudiées. Pour Marine Corbin, cela pose la question de l’utilisation d’outils de psychanalyse pour l’étude d’œuvres littéraires qui sont, comme elles l’a souligné, des rêves factices.

          M. Toga Pelletier quant à lui pressent une intuition de l’inconscient chez les auteurs qu’il a étudiés et présentés dans sa communication intitulée « Ivresse et sagesse, vin et spiritualité entre Orient et Occident ». L’hallucination cauchemardesque et l’ivresse dont il a étudié les représentations littéraires ont en commun la perte de maîtrise des sens. Cherchant d’autres illustrations de l’ivresse que celles abondamment fournies par le dix-neuvième siècle occidental, par Baudelaire, Rimbaud, et plus tard Apollinaire, M. Toga Pelletier a mis en regard poésie latine du premier siècle, poésie chinoise du 8e et poésie perse du 12e. Il montre quel regard fut précédemment, ailleurs, posé sur cet état en marge du conscient. D’Horace (65-7 av. J.-C.) à Omar Khayyam (1048 ?-1131) en passant par Li-Baï (701-762), ce sont trois figures du sage enivré qu’il a fait dialoguer par delà les frontières et les civilisations. L’ivresse, estompant les contours du réel, offre selon lui un espace de liberté poétique. Elle permet également d’échapper au poids d’un dogme religieux : ainsi le poète appelle à « remplir notre coupe de vin avant qu’on nous la remplisse de vie », pour citer les quatrains (Rubaiyat) de Khayyam « le brocanteur de destin » soufi, qui assiste à l’islamisation de la Perse. Remède éthique qui permet d’interroger un système de valeurs, thérapeutique lorsqu’il libère l’homme de certaines craintes : le vin mêlant la gravitas philosophique à la suavitas de l’ivresse, ouvrirait donc une voie vers la sagesse. « Occupe-toi de filtrer ton vin », prêche pour sa part Horace, se référant au rituel romain de dilution de celui-ci dans l’eau et le miel. Plus encore avec Li Baï, le sage enivré se met en scène, proposant au réel de nouveaux contours. Ecrire et décrire l’ivresse, c’est, selon la littérature chinoise de la dynastie des Hang, la replacer dans l’itinéraire biographique et philosophique de l’homme qui écrit, et en même temps faire accéder un instant de vie quotidienne à l’éternité. Au-delà de sa réflexion philosophique, l’écriture de l’ivresse apparaissait ainsi à M. Toga Pelletier comme le lieu d’un jeu phénoménologique interrogeant le rapport de l’individu à l’espace, au temps, et à lui-même. Offrant sa conscience du réel, le poète trouve dans l’ivresse les moyens d’en redéfinir les contours. Car qui est l’auteur de la mythification de cette figure de l’enivrement ? Le poète, la question a été posée à M. Pelletier, n’écrit pas en effet sous l’effet du vin mais bien après, s’employant à travers cette évocation – le mot vin est cité des centaines de fois – à louer ses vertus et les imiter, et par là à immortaliser l’ivresse.

          La question d’évoquer pour le lecteur un état auquel il n’a pas immédiatement accès a alimenté de nombreuses questions posées à Amélie Serazin au sujet de sa présentation, « La description de l’inconnu, comment exprimer un réel extérieur à notre langage ? ». Elle y proposait une échelle de dépaysement selon la proximité du paradigme culturel du lecteur à l’imaginaire évoqué, passant de l’existant au vraisemblable, puis au vraisemblable d’un autre paradigme (comme l’évocation de l’Afrique chez Conrad), au fictif (par exemple l’univers développé par Alain Damasio dans La Horde du Contrevent), avant d’achopper sur l’impossible, à proprement parler inadmissible par le lecteur. Partant d’un point de vue sémiotique (la culture et le langage sont irrigués par la perception du réel, l’esquimau possédant par exemple des dizaines d’expressions pour décrire la neige), sa présentation l’alliait à une dimension historique, la description devenant au 19e siècle le lieu d’une rencontre avec l’inconnu. En effet les expéditions coloniales puis l’anthropologie lui ont acquis une fonction documentaire et instructive. L’enjeu de son étude était de montrer comment, pour façonner leur langue à l’extra-ordinaire, les auteurs palliaient à l’écart référentiel au travers d’associations inédites. Pour décrire un dinosaure, Conan Doyle recoure ainsi, dans Un monde perdu, à l’expression « un kangourou monstrueux ». Ce qu’a bien su montrer Amélie Serazin, c’est le nécessaire appui sur le connu pour développer l’imaginaire. Dans un univers fictif comme celui de la Horde du Contrevent, les noms des objets prendront ainsi appui sur des racines évoquant l’omniprésence de l’élément aérien tandis qu’une ville aux consonances italiennes évoquera immédiatement un climat et une architecture méridionale.

          Ainsi le simple fait de nommer, de renommer, d’évoquer une réalité autre, prenant pour appui un état ou un objet extra-ordinaire, estompe les contours du réel et permet à l’auteur de le façonner à l’aune de son imaginaire. C’est ce voyage en pays inconnu, au-delà du quotidien, auquel invitaient les œuvres étudiées par ce dernier panel.

          Les deux heures et demi qu’ont duré la matinée du 7 mai ont été, compte tenu des nombreux problèmes de connexion connus par les différents intervenants, un réel succès. Mme Mathilde Labbé a salué l’attention soutenue dont ont fait preuve tous les participants et invité les étudiants à informer les enseignants de leurs projets et perspectives, ces-derniers ayant souligné leur plaisir à cet échange avec des étudiants qu’ils n’avaient plus rencontrés ni entendus depuis plusieurs semaines. Les contraintes d’organisation ont sans doute pesé sur la cohérence d’ensemble et limité la fluidité des échanges, de nombreux étudiants n’étant pas en mesure d’intervenir. La richesse des interventions et leur variété auraient sans doute été nourries par la présence et le regard des enseignants et des étudiants, qui auraient sans doute facilité l’expression de l’unité de problématique commune à chaque panel. La capacité d’adaptation et de vigilance de tous, nécessaire au passage rapide d’un intervenant et d’un sujet à l’autre, a cependant été remarquable et la qualité des interventions soulignée. Cette forme inédite a accru l’attention portée à la qualité de l’expression orale qui évoquait à l’oreille le ton d’une émission radiophonique.

MASTER • CLASSE : toutes les présentations

Les étudiant•es du Master Littérature Française et Comparée de l’Université de Nantes sont heureux de vous présenter l’ensemble des présentations qui se dérouleront lors de la Journée d’étude 2020. Cette année la journée sera virtuelle, nous vous proposons donc de découvrir sur ce blog les interventions qui ont été enregistrées au préalable par les étudiant •es. Vous pourrez nous poser toutes vos questions sur ces présentations le jeudi 7 mai de 9h30 à 12h, sur la plateforme Big Blue Button.

Cette journée d’étude est un projet porté par les étudiant•es du Master Littérature Française et Comparée dans le cadre d’une unité d’enseignement « Recherche collective ». Il s’agit de réaliser collectivement un événement en lien avec la recherche littéraire, en l’occurrence une journée d’étude qui se déroule sous la forme de conférences.

En explorant les différentes ressources ci-dessous, vous aurez accès à l’intégralité du contenu de la journée, comme si vous y étiez !

Limites du conscient, limites du réel

Ce panel a pour objet des œuvres littéraires dans lesquelles les frontières entre intériorité des personnages et monde réel sont souvent incertaines. Il s’agira de décrire quelques procédés qui permettent cette indistinction au sein des récits.

  • “La représentation littéraire du cauchemar chez Aloysius Bertrand et Hoffmann” – Marine Corbin

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  • “Ivresse et sagesse, vin et spiritualité entre Orient et Occident” – Toga Pelletier

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  • “La description de l’inconnu, comment exprimer un réel extérieur à notre langage” – Amélie Serazin

Position auctoriale et écritures transgressives

La position auctoriale suggère que l’écrivain n’est pas le seul auteur de son oeuvre. Les textes incluent une polyphonie textuelle interrogeant l’auctorialité. L’écriture transgressive suggère d’aller au delà de l’écriture et de participer au processus de création. La position dialogique des textes participe à la transgression de l’écriture et à l’enjeu de la création

  • “Le paradoxe tiraynien, quand la polyphonie rend le verbe performatif” – Orianne Lemoine

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  • “Le traducteur fictif, émergence d’un nouveau personnage” – Mohamed El Mechrafi

 

  • “Anonymat et limites littéraires : marges vivantes, formes mouvantes” – Garance Mauris

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  • “Le roman jazz et écriture transgressive” – Julie Jauffrineau

Pratiques énonciatives de la fiction à la critique

L’objet de ce panel est l’étude de l’énonciation dans ses formes et ses pratiques. Il s’agira ici de s’intéresser autant à la subjectivité et au point de vue qu’à la critique littéraire et à la traduction poétique. 

  • “L’expression de la subjectivité dans la littérature épistolaire amoureuse au Moyen-Âge” – Guillaume Besson

 

  • “Ambiguïté de point de vue et illusion de neutralité dans l’oeuvre d’Annie Ernaux” – Louise Caillebotte

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  • “Traduire Alda Merini” – Alexandre Nedelec

 

  • Pleynet, Sollers et Kristeva, critiques de Lautréamont” – Jérémie Esnault 

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Corps et violence du XXe au XXIe siècle

Ce panel s’intéresse à la question de la violence au sein de différents genres littéraires. La mise en écriture de la destruction du corps invite alors à s’interroger sur divers enjeux, qu’ils soient historiques, sociaux ou esthétiques.

  • “Edouard Louis, l’écriture pour désarmer les violences systémiques” – Claire Chopin

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  • “Destruction des villes et des corps, la violence et l’horreur dans la littérature post-Hiroshima” – Corentin Le Corre

 

  • “Violences dans le théâtre de Bernard-Marie Koltès et Howard Barker” – Justine Landel

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Merci pour l’intérêt que vous avez porté à notre journée d’étude.

N’oubliez pas de réagir en commentaire et à l’année prochaine!

Journée d’étude du master LFC nantais

Bienvenue sur le blog des étudiants du Master LFC de l’Université de Nantes, dédié à la journée d’étude organisée chaque année depuis 2018.

Ce carnet a pour vocation de présenter les interventions littéraires des différents participants prenant part à la journée annuelle de colloque, organisée au sein de l’Université de Nantes, ainsi que l’évènement dans sa globalité.
Il s’agit pour les promotions successives d’étudiants nantais en Master de Littérature Française et Comparée de pouvoir bénéficier à la fois d’un outil communicationnel auprès du grand public et des chercheurs, et d’une archive permettant un regard rétrospectif sur les éditions précédentes.

La prochaine édition se déroulera le jeudi 7 mai, de 9h30 à 12h sur la plateforme en ligne MADOC de l’Université de Nantes.

Au programme :
– Pratiques énonciatives de la fiction à la critique.
– Corps et violences du XXe au XXIe siècle.
– Position auctoriale et écritures transgressives.
– Limites du conscient: limites du réel?

Vous pouvez retrouver les compte-rendus de l’édition précédente ici: https://jelfcnantes.hypotheses.org/315

L’évènement

Vous trouverez  ici des informations concernant l’édition 2018 de la journée d’étude organisée par les étudiants du Master LFC de l’université de Nantes.

La journée d’étude 2018 a eu lieu le mercredi 30 mai. Vous trouverez ci-dessous le programme de la journée,  agrémenté de textes déroulants décrivant les panels et les interventions. Cliquez sur les mots précédés d’un triangle.

 

Programme

  • 9h à 9h30 : Intervention introductive – Mme Labbé

9h30 à 10h15 : Panel Des langues et des mondes (format Pecha-Kucha)

Descriptif du panel

Le Renard du Petit Prince le disait, « le langage est source de malentendus ». Trop arbitraires ou polysémiques, nos langues imparfaites constituent à la fois notre seul outil et notre plus grande lacune pour décrire le monde. En déterminant notre façon de raisonner et notre regard sur le monde pour en extraire des vérités, elles sont tour à tour des engins de colonisation, de propagande ou d’aveuglement conscient ou inconscient. Quand les mots manquent, nos langues mettent en évidence la complexité et l’opacité des échanges entre les êtres, leur culture et leur psychologie. Dans la culture chrétienne, le sentiment d’une humanité restreinte par ses langues prend source dans le mythe biblique de la Tour de Babel : par la multiplication des langues, le châtiment divin empêchera à jamais les Hommes de se comprendre, condamnés à une éternelle équivocité. Si, à la Renaissance, en Europe, de nombreux érudits se sont consacrés à la quête d’une langue parfaite, qualifiée d’Adamique, de philosophique ou d’universelle, dépasser les imperfections des langues n’en demeure pas moins un enjeu ultra-contemporain. Au XXe siècle, le traumatisme des guerres mondiales bouleverse les croyances occidentales et remet en question notre capacité à dire le monde. Philosophes et écrivain.e.s réfléchissent alors la nécessité d’un langage nouveau, non plus dans son lexique mais dans sa forme : quand certains adoptent la voix poétique et symbolique du langage par images, d’autres procèdent d’une communication tout aussi subjective que manifestent les signes conscients ou inconscients reliant l’intériorité à la corporéité. Ainsi, parce que l’expression du monde repose sur deux critères réciproques – le réel naît de la langue et la langue naît du réel – les fondements d’une langue, qui crée et pose une vérité sur le monde à partir d’elle-même, paraissent subjectifs et, en ce sens, imparfaits. Nous explorerons différentes propositions de penseurs qui, au regard de ces lacunes, ont réfléchi une langue nouvelle pour exprimer l’ineffable.

      • Colette Michaud : « L’uglossie » ou l’utopisme linguistique au XVIIe siècle
        Descriptif

        Dans l’Europe du XVIIe siècle, la découverte de langues exotiques ou archaïques font fantasmer les érudits. Dans les sphères intellectuelles de la société, se dégage l’idée que les langues naturelles parlées en Europe sont imparfaites et restreignent la connaissance humaine. De Comenius à Wilkins, des communautés de savants s’essaient ainsi à la composition d’une langue philosophique et universelle dans des traités sérieux – mais la recherche de la langue parfaite inspire également les écrivains de fiction, notamment les auteurs d’utopie, genre dont une langue autre, nouvelle et parfaite, devient rapidement l’un des lieux communs. J’étudierai la quête de la langue parfaite au XVIIe siècle via la notion d’utopie et tout ce qu’elle présente de paradoxal.

      • Salomé Pauvert : Le langage intérieur : corporéité, sensibilité, universalité ?
        Descriptif

        Je placerai le langage du côté de l’individualisme en littérature en l’analysant au regard de l’écriture de l’intériorité. En effet, la représentation du flux de conscience est bien le lieu d’un langage intérieur comme expression intime et psychique des pensées, des sentiments et des opinions. Sa représentation passe par la lecture de signes et la création d’un langage corporel et sensible. Mettre en exergue ce langage presque inconscient c’est dire ce qu’est l’homme à l’intérieur de lui-même et c’est attribuer à ce langage une dimension universelle. Toutefois, celui-ci n’est pas sans comporter des limites qui montrent que la sphère intime relève de l’indicible.

      • Mélisandre Csaba : L’esthétique d’Antoine de Saint-Exupéry : la langue des images
        Descriptif

        Pilote de guerre et écrivain, Antoine de Saint-Exupéry démontre les limites du réel dans un temps où le monde semble perdre sens. Le savoir n’est que relatif, l’auteur en est convaincu, mais ce phénomène ne peut être remarquable dans un langage verbal qui apparaît comme lacunaire : les insuffisances de la langue « dénouent » les hommes pourtant issus d’un même « pays ». Soucieux d’un nouveau langage pour renouer la collectivité humaine, Saint-Exupéry développe une écriture sensible qui fonctionne par images et restaure ce « pays » perdu qu’est l’enfance pour y retrouver le regard – poétique et métaphorique – que porte l’enfant sur le monde.

      • Gulsesek Doniec
        Descriptif

        Un écrivain peut se servir d’une langue aussi bien pour tisser les liens entre les humains qu’accentuer les différences qui les séparent. Deux écrivains d’origine autochtone, Scott Navarra Momaday, Amérindien de la nation Kiowa, et Youri Rytkhèou, Tchouktche de l’extrême Nord de la Russie soviétique, ont écrit dans les années 1960 respectivement un roman en anglais et un en russe. Mais voici la différence essentielle : l’écriture du premier est opaque et nécessite un effort quasi-herméneutique de la part du lecteur, tandis que le second utilise une langue limpide pour mieux expliquer et partager sa culture avec le monde extérieur.

 

  • 10h15 à 10h45 : Discussion
  • 10h45 à 11h : Pause

11h à 12h : Panel Femmes et sexualité dans la littérature : entre fantasme et subversion

Descriptif du panel

Parce que l’histoire littéraire est très largement dominée par la plume des hommes, le regard que la littérature propose sur le monde est plus souvent en accord avec des préoccupations masculines que féminines. Néanmoins, cela n’empêche pas la littérature francophone, depuis le moyen âge jusqu’au XXIe siècle, de regorger de textes qui se sont attachés à prendre des femmes pour protagonistes, ou même à décrire l’intimité de personnages féminins. Or, cette représentation des femmes au cours des siècles se révèle multiple, puisqu’elle recouvre toutes les nuances de l’idéalisation la plus courtoise ou romantique à l’aversion la plus profonde. Lorsqu’il s’agit de représenter la sexualité, le portrait est plus souvent conventionnel, et le personnage féminin sexuellement actif répond alors à un ensemble de conventions et de codes ambivalents, aussi bien positifs que négatifs. Par ailleurs, cette écriture masculine de la sexualité féminine laisse souvent une large place à la représentation de fantasmes masculins qui appellent à questionner le rapport de ces écrivains à l’altérité. Par exemple, le personnage de la séductrice, ou bien de la « femme fatale » représente à la fois le fantasme de la femme initiatrice et actrice de la sexualité, et la peur de l’écart à la norme des mœurs que serait la femme passive et soumise dans sa sexualité. Ainsi, lorsqu’elle est représentée, la sexualité des personnages féminins se caractérise avant tout par le dérèglement à travers la nymphomanie, la polygamie, ou encore le lesbianisme. Ainsi, les personnages de femmes libres, au moins sur le plan sexuel, relèvent d’une esthétique ambivalente, voire équivoque, puisqu’ils représentent à la fois une forme d’émancipation et une forme de subversion des valeurs morales qui, parce qu’elle est souvent montrée comme excessive, appelle la sanction. La liberté morale et sexuelle des personnages féminins peut alors à la fois constituer leur caractère exemplaire, caractéristique traditionnelle du personnage romanesque, et justifier leur marginalisation.

      • Cédric Bézannier : Représentation des femmes et réactions aux
        valeurs courtoises dans les fabliaux et romans des XIIIe et XIVe
        siècles
        Descriptif

        La littérature courtoise et chevaleresque qui s’impose comme la forme littéraire quasi exclusive de la littérature laïque jusqu’au XIIe siècle propose une représentation des personnages féminins en accord avec un modèle d’idéalisation courtoise dont les valeurs de chasteté, de beauté et de noblesse se voient largement repoussées dans le nouveau champ littéraire ouvert par le XIIIe siècle qui, en se saisissant d’enjeux non nobles, s’attache également à une représentation plus triviale, moins optimiste du monde, et dans laquelle on retrouve largement les inquiétudes que suscite la femme chez l’homme médiéval, dont l’écriture est la prérogative et dont le regard sur le féminin pose la question de son rapport à l’altérité.

      • Anthéa Jesnak : Sexualité, genre et pouvoir dans les Années folles
        dans The Beautiful and Damned de F. S. Fitzgerald, Le Ciment de F.
        Gladkov et La Garçonne de V. Margueritte
        Descriptif

        À travers une redéfinition multiple du genre féminin, la sexualité est largement abordée dans les textes. Les auteurs, sous l’effet de l’inconscient et des acquis sociaux, présentent un traitement qui laisse apparaître des traits mythiques et conventionnels. La représentation du désir se teinte de fantasmes masculins. Les protagonistes et/ou le narrateur sont observateurs de nouveaux comportements féminins qui les interrogent. Le récit prend parfois l’allure d’exploration ou d’expériences empiriques pour comprendre ce phénomène de changement. Les mises à l’épreuve des héroïnes, qui font face à la violence et à certains obstacles de la société patriarcale, sont la preuve de la tension qui s’installe entre l’élan de progrès qui s’observe à l’époque et le désir de conservation des traditions.

      • Alexis Gantier : Le bordel naturaliste : comment dire l’indicible
        Descriptif

        Les descriptions naturalistes du bordel omettent, à première vue, la sexualité. Pourtant elle est bien là, entre les lignes. À la lecture des textes « bordéliques » naturalistes on trouve des implicites — autrement dit des « révélations voilées » — qui suggèrent les désirs et les chairs des prostituées et des michets. En s’appuyant sur une étude de la langue et de la phrase naturalistes, en un mot du « style », on tentera de mettre à jour et d’exalter ce grand « silence » des bordels littéraires du XIXe, de révéler un aspect de la « pornographie », de l’érotisme naturaliste.

      • Sindy Labeye : La représentation de la femme Sorcière comme être
        sexuel dans Moi Tituba, Sorcière Noire de Salem et Célanire Cou Coupé
        de Maryse Condé
        Descriptif

        L’œuvre de Maryse Condé est riche en personnage féminins notables, des femmes très souvent en marge du monde et inadaptée aux sociétés auxquelles elles sont confrontées. Dans notre corpus, cette mise en scène de la femme en marge, sujette au déracinement et au jugement est portée à son paroxysme avec l’utilisation d’un type de personnage bien précis : la sorcière. A partir de ces deux femmes, Tituba et Célanire, nous interrogerons la représentation de leurs pratiques sexuelles comme élément de mise en marge et de subversion. Le discours de Condé tend finalement il à une glorification et une affirmation quasi féministe de la sexualité pour toutes à travers le personnage de la sorcière ?

      • Maria Amini
  • 12h à 12h30 : Discussion
  • 12h30 à 14h : Repas

14h à 14h45 : Panel Écrire l’Histoire (Format Pecha-Kucha)

Descriptif du panel

Ce panel composé de cinq masterants se propose d’explorer la manière dont, à différentes époques, la littérature a pu prendre en charge l’écriture de l’histoire. Les interventions auront comme fil conducteur le triptyque suivant : « Ecrire l’histoire, écrire sur l’histoire, écrire son histoire ». La littérature apparaît en effet comme un moyen privilégié de transmettre des représentations et des visions du monde. Dès lors, il semble pertinent de s’interroger sur la façon dont un auteur peut, avec sa subjectivité, livrer une vision du monde et de soi qui rende compte d’une certaine réalité historique. Les communications montreront que les auteurs choisis entretiennent des rapports variés avec la question historique : simples témoins ou acteurs de leur temps ?
Les interventions exploreront différents media : de l’écrit historiographique au récit de vie, en passant par les diverses formes de la fiction. Les intervenants s’interrogeront sur l’intention et la réception des auteurs à travers leurs œuvres ainsi qu’à la thématique de la subjectivité du témoignage dans l’écriture de (ou sur) l’histoire. A ce titre, un large éventail de questions pourra être abordé : la réception (destination des écrits, intention de l’auteur, volonté d’être publié, recherche de gloire, de pouvoir ou de postérité ?), la différence entre hommes et femmes dans la manière d’écrire (sur) l’histoire, le rôle de la presse dans la réception des auteurs étudiés (témoignages sur l’époque, articles publiés de ou sur l’auteur), légitimité du témoin pour dire l’histoire, relations entre grande et petite histoire (récits de vie, témoignages ou pamphlets constituent-ils une part de l’écriture historique ?) et enfin rapport à la vérité, à l’objectivité dans le champ historique. Plus généralement, il pourra être intéressant de s’interroger sur les liens qu’entretiennent les auteurs et leurs œuvres avec les composantes de leur époque : société, modèles, cultures et pouvoirs.

      • Marie-Pierre Auvray : Les récits de voyages de quelques autrices françaises au XIXe siècle
        Descriptif

        La pratique du voyage se développe largement au XIXe siècle et les femmes, comme les hommes, sont nombreuses à partir à la découverte du monde. Certaines prennent la plume et rédigent récits de voyage, journaux intimes ou articles de presse, fournissant au chercheur une matière passionnante pour l’étude de cette époque charnière. Loin de présenter une qualité littéraire équivalente, ces récits portent sur le monde un regard subjectif, teinté tantôt d’ humilité et de liberté, tantôt de dureté et de préjugés tenaces. Leur comparaison permettra de faire ressortir leurs points communs mais aussi leurs divergences profondes quant à la toujours actuelle question féministe.

      • Anaïs Bertrand : Mézeray et le règne d’Henri III : regard et réflexion sur un roi contesté et une époque inquiète
        Descriptif

        Dans son récit du règne d’Henri III, Mézeray, historiographe royal du XVIIe siècle, mêle objectivité historique et recomposition littéraire. Les discours et les dialogues nécessairement reconstruits, le romanesque d’une époque troublée par les guerres et les immersions dans les pensées secrètes des personnages sont autant d’outils qui donnent vie à l’histoire. Mais si le texte de Mézeray nous fournit un voyage agréable au cœur du règne d’un des rois les plus contestés de l’histoire de France, il est aussi le lieu d’élaboration d’une vision de l’histoire devenue inquiète par le troublant constat du pouvoir du mal et de la mort dans la vie des peuples.

      • Charlotte Corbel : Madame Roland : une plume engagée au service d’un idéal républicain
        Descriptif

        Madame Roland, figure féminine de la Révolution française communément considérée comme l’égérie de la Gironde, livre au lecteur un véritable témoignage moral et politique de son époque. Il s’agira, par le biais de ses Mémoires et de sa correspondance politique, de saisir l’influence considérable qu’elle eut, en tant que salonnière et femme de ministre, auprès de ce parti de réformateurs modérés. Ce sont à la fois ses fines analyses politiques et sa rédaction de portraits et d’anecdotes qui ont participé à la réalisation de ce témoignage unique d’une femme aux idéaux républicains. Ne souhaitant pas devenir écrivaine, ce fut indéniablement la situation révolutionnaire qui la transforma comme telle.

      • Alexandre Le Lay : Saavedra Fajardo et la crise de l’humanisme : la fin de l’idéal de République des Lettres
        Descriptif

        Diplomate espagnol de premier plan lors de la Guerre de Trente Ans, Diego de Saavedra Fajardo est aussi l’auteur d’écrits satirique, et notamment de la República Literaria. En recourant au genre hybride et malléable de la satire ménippée, Saavedra Fajardo propose un voyage imaginaire et critique afin d’examiner les arts et les sciences. Il s’agira de voir comment l’écriture utopico-satirique de l’idéal de République des Lettres peut non seulement rendre compte de l’Histoire politique, culturelle et philosophique de l’Europe du second humanisme, mais aussi réfléchir aux relations mêmes que la fiction littéraire entretient avec l’Histoire.

      • Tiana Soares : Emile Zola, ou le legs d’un minutieux témoignage historique et littéraire du XIXe siècle
        Descriptif

        Emile Zola, écrivain français mondialement connu, chef de fil incontestable du naturalisme… mais aussi journaliste. Trop méconnue encore aujourd’hui, son expérience journalistique a pourtant permis à l’auteur d’étudier minutieusement les divers problèmes de son temps et de les comprendre. Dans la vaste fresque des Rougon-Macquart, le cadre historique est indéniable. Le naturaliste voulait véritablement léguer un témoignage exhaustif du Second Empire en insistant à de nombreuses reprises sur les grandes transformations de son époque comme le développement du chemin de fer en France mais aussi l’urbanisme parisien…ou encore sur le développement incessant du pouvoir de la presse dans la seconde moitié du XIXe siècle.

      • Olivier Beneteau
  • 14h45 à 15h15 : Discussion
  • 15h15 à 15h30 : Pause

15h30 à 16h30 : Panel Modalité d’interaction entre la scène et la salle

Descriptif du panel

La fiction théâtrale génère au cours des siècles de nouvelles modalités d’interaction entre les comédiens et les spectateurs. Au XVIIIe siècle, la mise en scène de personnages appartenant au monde du théâtre, notamment dans les pièces du répertoire forain, est une pratique fréquente. Si les « comédies pour comédiens », selon la formule de Georges Forestier, existaient déjà au XVIIe siècle – on pense notamment à L’Impromptu de Versailles – elles abondent au XVIIIe siècle. Or, certaines de ces pièces métalittéraires sont particulièrement intéressantes dans la mesure où elles nous invitent à interroger le rapport entre la scène et la salle et la perméabilité des frontières entre les espaces de la représentation.
Toutefois, cette métathéâtralité, en partie étudiée notamment grâce aux travaux de Jeanne-Marie Hostiou et Nathalie Rizzoni pour la période du XVIIIe siècle, n’est qu’une possibilité parmi d’autres pour créer ou recréer un jeu d’interaction entre les comédiens et le public. C’est pourquoi, nous nous proposons de mener une réflexion plus générale sur les procédés dramaturgiques inventés au cours des XVIIIe et XIXe siècles pour créer une relation entre comédiens et spectateurs.
Le public de théâtre au XVIIIe siècle est totalement différent du public que nous connaissons à notre époque ; bien plus qu’un lieu d’accès à la culture, le théâtre est surtout un lieu de socialisation. A travers cette nuance, il faut envisager des comportements qui appellent à réflexion. D’une simple répartie à une réplique au déclenchement d’une bagarre, le public devient un réel acteur dans la représentation théâtrale, qu’il peut perturber à la moindre intervention. Ce sont ces comportements qui influencent les modalités d’interaction entre spectateurs et acteurs.
Le degré de complexité de ces modalités d’interaction est variable. La plupart du temps un personnage de la fiction théâtrale apostrophe l’ensemble du public. C’est souvent le cas dans le dernier couplet en vaudeville des opéras-comiques forains ou encore dans certaines pièces du théâtre de boulevard moderne dont l’objectif est essentiellement de réclamer l’indulgence des spectateurs. Mais il se peut également que l’ensemble des comédiens s’adresse au public comme dans le compliment, pratique théâtrale particulièrement fréquente au XVIIIe siècle, reposant sur une série de topoï. Les dramaturges forains, en proposant un détournement de ses codes, participent au renouvellement de cette pratique. C’est aussi par la réutilisation spécifique d’un procédé dramatique connu, l’aparté, particulièrement théorisé pour la période classique, qu’Eugène Labiche développe une relation privilégiée entre les personnages de ses pièces et son public. Si ce procédé n’est pas nouveau, son abondance et la variété des utilisations dont il fait l’objet rendent son étude particulièrement intéressante.
L’étude de ces différentes modalités d’interaction fictionnelle nous invite à questionner la représentation du ou plutôt des publics dans la production dramatique. Quelle(s) image(s) des spectateurs les dramaturges nous donne-ils du public ? Quelles informations les pièces nous apportent-elles sur les spectateurs de leur époque ? Nous permettent-elles d’en élaborer une typologie ? Dans les pièces foraines par exemple – répertoire faisant actuellement l’objet d’une redécouverte – les allusions hypertextuelles sont nombreuses. Dans la mesure où elles répondent à un comique d’actualité, leur analyse pourrait nous renseigner sur la culture commune aux spectateurs du théâtre.

      • Charlotte Pierre : La relation acteur-spectateur : la typologie des comportements du public dans les théâtres de la première moitié du XVIIIe siècle
        Descriptif

        Le théâtre est un phénomène esthétique et social qui, au cours d’une représentation, tend à faire vivre au public un moment fictionnel sous ses yeux. Bien plus qu’un lieu d’accès à la culture de l’époque, le théâtre au XVIIIe siècle est avant tout un lieu de socialisation non négligeable. Au théâtre, on se rencontre, on discute, on se montre, et parfois on regarde la pièce ; autant de possibilités que d’individus présents. En dressant une typologie de ces comportements, il est alors possible de comprendre que les liens entre acteurs/public sont à double-sens : les anecdotes recensées par Emile Campardon et Louis Loire dévoilent un grand nombre d’incidents, venant troubler les représentations théâtrales, dont le public en est le seul auteur.

      • Mélissa Khaled : L’intertextualité théâtrale : un comique culturel au goût du public du XVIIIème siècle
        Descriptif

        Le théâtre connaît en France un véritable engouement au XVIIIème siècle. Les théâtres de la Foire font partis de ces lieux réunissant le public. Pour plaire aux spectateurs, les comédiens forains redoublent d’ingéniosité en utilisant des procédés dramaturgiques variés comme l’intertextualité. En effet, les pièces foraines réinvestissent des personnages présents dans d’autres pièces. Cette mise en abîme intertextuelle crée un comique de reprise subtil qui rend ainsi la pièce plus agréable et plus vivante. Un jeu de connivence s’installe alors entre acteurs et spectateurs puisque les comédiens font appel à la culture du public qui devient donc un membre actif de la représentation théâtrale.

      • Julien Le Goff : Compliments à l’Opéra-Comique (1731-1742)
        Descriptif

        Le compliment d’ouverture ou de clôture des spectacles est une pratique dramatique particulièrement en vogue au XVIIIe siècle. Sa fonction principale est de réclamer l’indulgence des spectateurs et de les inciter à venir ou revenir assister aux représentations. Nous nous intéresserons plus particulièrement aux compliments de l’Opéra-Comique entre 1731 et 1742. Au cours de cette période, l’entrepreneur Pontau confie à Pannard et Favart le soin d’écrire l’essentiel de ces textes. Les deux auteurs forains n’hésitent pas à jouer avec les topoï caractéristiques du compliment et à renouveler ce qui peut dès lors apparaître comme un sous-genre dramatique à part entière.

      • Jean-Hermann Hutchings : La relation acteur-spectateur : Le rôle de l’aparté dans le théâtre d’Eugène Labiche dans la communication directe avec le public
        Descriptif

        Ce que l’on nomme « théâtre de Boulevard » au XIXème, appartient aux œuvres des dramaturges des comédies de mœurs dont l’un des plus réputés n’est autre qu’Eugène Labiche. L’inspirateur de Georges Feydeau était le plus grand utilisateur de l’aparté, procédé ayant vu le jour en 1639, définit par Jules de la Mesnardière dans la Poétique, puis théorisé plus tard en 1639 par d’Aubignac dans La Pratique du théâtre. Dans le Trésor de la Langue Française, l’aparté est considéré comme un discours que le personnage se fait lui-même, mais il peut s’émanciper de cette simple définition. L’acteur, par l’aparté, peut se placer entre le public et la scène : son aparté est une communication, une invitation du spectateur à jouer le jeu.

      • Hélène Averseng
  • 16h30 à 17h : Discussion
  • 17h : Mot de clôture