Compte-rendu de la journée d’étude du Master LFC – Nantes Master/Classe.

Le compte rendu suivant propose de retracer la journée d’étude 2020 des Lettres Modernes. Revivez heure par heure cette journée qui était spéciale cette année en raison de la COVID-19. Elle a eu lieu en ligne et s’est déroulée en deux parties. Les participants de la journée devaient d’abord écouter les interventions en amont qui se présentaient sous forme de productions orales de huit minutes sous forme d’enregistrements audios, de vidéos, parfois accompagnés de diaporamas. Les participants se sont ensuite retrouvés le jeudi 7 mai pour poser des questions sur les interventions qu’ils ont écoutées. La journée a été pour de nombreux intervenants une expérience inédite composée de difficultés mais aussi de découvertes intéressantes.

            Voici une retranscription des interventions riches en contenu et originales : 

PREMIER PANEL

Le premier panel qui ouvre cette journée d’étude s’intitule « Pratiques énonciatives, de la fiction à la critique ». De la mise en scène du « Je » dans la littérature épistolaire médiévale à la pratique énonciative d’une autrice du XXe, entre biographie et sociologie, en passant par l’expérience de la création d’une énonciation par la pratique de la traduction, en faisant un dernier détour par l’énonciation si problématique de l’œuvre de Lautréamont, questionnée par une certaine critique, ce panel a pour objet des œuvres dont le discours devient critique. 

Ce panel a donné lieu à une première intervention avec pour sujet l’expression de la subjectivité dans la littérature épistolaire amoureuse au Moyen-Age. Au sein d’un corpus de lettres fictives tirées des Saluts et Complaintes, l’intervenant étudie la position énonciative d’un « Je » qui n’est autre qu’un auteur qui se met lui-même en scène, dans une tradition à la fois héritée de la rhétorique classique antique et des codes courtois médiévaux. Ces lettres, basées sur une poétique de l’aveu, s’inscrivent dans une lyrique des émotions. Il ne faut pas oublier qu’elles sont composées à partir d’un art poétique. Les lettres d’amour sont autant un art épistolaire (ars dictandi) que l’ art d’aimer (ars amandi) pour l’auteur qui se met en scène en les composant à travers une énonciation fictive et codifiée. 

La deuxième intervention concerne le travail de Louise Caillebotte sur deux œuvres d’Annie Ernaux, Passion simple (1992) qui raconte l’aventure adultère avec un homme et Mémoire de fille (2016) qui est le récit du premier rapport sexuel. Elle travaille sur l’ambiguïté du point de vue et l’effet de neutralité dans ces œuvres. Elle affirme qu’un contraste important frappe à la première lecture. Les œuvres oscillent entre des sujets ostensiblement engagés comme l’avortement clandestin, le transfuge de classe, la désillusion post 1968 et ce qui semble être une écriture avec un point de vue objectif. Louise s’emploie à étudier ce contraste dans les œuvres les plus personnelles d’Annie Ernaux puisque c’est dans les œuvres en question qu’il est le plus intéressant : comment la part la plus intime de la vie de l’autrice devient-elle un support de réflexion collective sur la domination masculine pour Mémoire de fille et sur la déromantisation de la passion dans Passion simple ? Pour cela, elle étudie la stylistique de l’énonciation et tout particulièrement ce qu’Annie Ernaux décrit comme une « écriture plate » dans L’écriture comme un couteau (2011). Cette écriture s’accompagne d’une revendication d’une écriture du réel qui n’est pas romanesque mais « auto-socio biographique », qui met de la distance avec un vécu parfois traumatique. Il semble pourtant que l’écriture d’Annie Ernaux ne se caractérise pas uniquement par la neutralité. Les jeux avec les points de vue permettent d’appréhender le vécu d’une première relation sexuelle. Le choix d’une écriture dépourvue d’affect semble se justifier pour Louise par la première hypothèse suivante. Le choix d’une forme neutre s’oriente vers la mise en avant d’un point de vue de femme. La distance avec la dimension intime du récit invite chaque lectrice à s’y reconnaître et souligne par le ton collectif la violence des événements. 

La troisième intervention intitulée « Traduire Alda Merini : enjeux poétiques de la traduction d’une œuvre poétique » s’inscrit dans le cadre d’un mémoire de traductologie. Alexandre Nedelec s’est donné pour mission d’interroger la cohabitation souvent difficile qui existe entre pratique et critique de la traduction. Après avoir sélectionné l’auteur à traduire dans une langue souhaitée – ici l’italien – il a fallu sélectionner un corpus défini. Ce n’est donc pas moins de vingt poèmes tirés des écrits précoces de la poétesse italienne du XXe siècle Alda Merini qui ont été retenus, par leur capacité à émouvoir mais aussi par certains thèmes récurrents liés à la spiritualité et à la mystique notamment. C’est cette tension entre l’âme spirituelle et le corps sensuel, irriguant les poèmes de Merini, qui intéressait Alexandre et le poussait à réaliser ce défi qu’est une traduction poétique. Deux mois de travail ont été nécessaires pour lier forme et fond, avec comme axe central le choix de la métrique de l’hendécasyllabe. Ce travail de traduction au long cours sera poursuivi par un temps de réflexion critique, où le traducteur commente son propre travail. 

Enfin, l’ultime présentation intitulée « Pleynet, Sollers et Kristeva, critiques de Lautréamont » pose la question de la réception critique de l’œuvre de Lautréamont, depuis sa réception par le groupe surréaliste jusqu’aux théories de la nouvelle critique des années soixante-dix, représentée par des auteurs tels que Pleynet, Sollers et Kristeva. Les nouvelles recherches et les derniers apports dans le domaine littéraire, psychanalytique et sociologique permettent de mettre à distance le mythe Lautréamont, basé sur l’imagerie erronée du poète maudit. L’œuvre devient le centre de l’attention critique et non plus l’homme fantasmé. Dans le cadre de l’analyse de l’œuvre de Lautréamont, ces trois critiques mettent en avant des conceptions nouvelles. Pleynet développe la notion de transgression culturelle, et affirme que le poète parodie les topoi littéraires de son époque. Sollers développe l’idée de Pleynet et la prolonge avec la notion d’intertextualité : Lautréamont joue avec tous les registres exploitables afin de mettre en avant les contradictions du discours humain. Kristeva quant à elle s’appuie sur les théories freudiennes. Par la sémiotique, elle affirme que les œuvres de Lautréamont mettent en scène un sujet en division, déchiré par les pulsions. Ces théories devront toutefois elles-aussi être examinées, et peut-être contestées puisque déjà bousculées par des nouveaux apports depuis les cinquante dernières années. 

DEUXIÈME PANEL 

Le second panel, intitulé « Corps et violence du XXe au XXIe siècle » a cherché à montrer comment il était possible de représenter la violence, l’horreur en littérature. En effet, comment exprimer une chose, un événement, pour lequel on n’a pas de mots, comment exprimer ou représenter l’indicible ? Avec des thématiques variées, les intervenants ont voulu présenter la violence dans la littérature, les formes qu’elle pouvait prendre et par extension, le résultat de cette prise de parole pour les auteurs : une délivrance, la volonté d’un devoir de mémoire ou encore la représentation des vices de l’homme ou des corps souffrants là où les mots ne suffisent plus.

Dans une première intervention, nous avons pu voir que l’écriture, chez Edouard Louis, pouvait être un moyen de désarmer les violences systémiques. Rappelons que les violences systémiques sont les violences que subissent des personnes de manière systématique (discriminations de genre, de classe ou encore raciales par exemple). L’enjeu de l’écriture chez cet auteur est de dénoncer les violences, qu’elles soient familiales, sociales ou politiques puisque les carcans sociaux en place condamnent l’homosexualité d’Eddy Bellegueule dans le roman éponyme. Le langage devient alors l’outil de l’expression de la violence. Dire la violence ici est donc une façon de résister, de ne rien céder au mutisme que tente d’imposer la société.

Dans un tout autre contexte, l’horreur des bombardements atomiques survenus à Hiroshima en 1945 est également un sujet difficile à exprimer. La violence est telle que les mots ne viennent pas. Pourtant, il faut raconter, il faut dire l’horreur, d’abord pour le devoir de mémoire, pour réhabiliter les victimes perçues comme des parias, mais aussi pour montrer la réalité, pour faire éclater la vérité. Nous avons pu découvrir notamment trois auteurs : Tamiki Hara, un survivant direct de la catastrophe, John Hersey, un journaliste américain qui restitue les témoignages de six survivants et Masuji Ibuse qui a écrit une vingtaine d’années après la catastrophe, et qui construit son livre à partir de documents d’époque (journaux, conversations avec les survivants). L’accent, dans les œuvres de ces trois auteurs, est mis sur la déshumanisation des victimes, les corps meurtris sont décrits de manière très crue puisque leur volonté est de décrire l’horreur telle qu’elle est. Il y a une volonté de réalisme, pour donner à voir la violence dans son ensemble, telle qu’elle s’est produite.

La violence nous a également été présentée dans le théâtre contemporain : celui de Bernard-Marie Koltès et d’Howard Barker. Pour exprimer la violence, les deux dramaturges optent pour l’emploi de l’aposiopèse, qui est en rhétorique une interruption brusque du discours, traduisant une émotion ou une hésitation. Cette interruption de la parole sert à mettre en évidence le fait que la langue est en pleine crise, elle subit alors une fragmentation. Le corps est très présent dans le théâtre de ces deux dramaturges, et sert à montrer physiquement la tension, la souffrance qu’il peut y avoir chez l’homme et dans le monde environnant de manière plus générale. Là où la communication ne passe plus, où le langage atteint ses limites, le corps prend alors le pas et devient le lieu où les personnages laissent éclater leurs frustrations et leurs vices humains. Le langage et le corps permettent alors de révéler une source conséquente de violences.

Ce panel nous permet de remarquer que l’écriture de la violence n’est pas toujours simple, les mots ne suffisent pas toujours et dans certains cas, nous avons pu voir que la langue atteignait ses limites. Cependant, dans ce besoin, cette urgence de dire, de représenter l’horreur, il est intéressant de constater les procédés utilisés pour contrer cette limite de la langue et de voir que, malgré les difficultés à exprimer cette violence, la volonté de dénonciation, de mémoire ou encore de délivrance reste la plus forte.

TROISIÈME PANEL 

Le panel suivant intitulé « Position auctoriale et écritures transgressives » a eu la volonté de mettre l’accent sur deux axes : d’abord sur le fait que l’écrivain n’est pas toujours l’unique auteur de son livre, que dans certaines œuvres, notamment celles de Marcelle Tinayre, la position auctoriale pouvait être complexe dans la mesure où les personnages ont une voix qui leur est propre et qu’ils veulent la faire entendre ou encore que la polyphonie textuelle pouvait également se faire ressentir dans des ouvrages originaux écrits à plusieurs mains, de façon parfois anonyme. Dans cette mesure, une question se pose alors : Comment analyser un texte dont les auteurs ne peuvent être identifiés ?

Mais le panel était également axé sur une autre dimension, celle des écritures transgressives ; transgressives dans le sens où de nouveaux personnages apparaissent tels que le traducteur fictif par exemple, ou de nouvelles formes d’écriture, comme le roman-jazz.

            La première intervention a porté sur ce que l’intervenante a appelé le paradoxe tinayrien ou le moment où la polyphonie rend le verbe performatif. Le « paradoxe tinayrien » s’appuie sur les œuvres de l’autrice Marcelle Tinayre, une femme de lettres qui a marqué la « Belle Epoque ». La position auctoriale dans les œuvres de cette autrice est relativement complexe. En effet, bien que Tinayre soit l’autrice de ces romans, ses personnages ont une épaisseur concrète, et s’emparent du verbe. Ils deviennent à leur tour auteurs et s’approprient alors la création. Ils ont désormais une voix et une importance capitale puisque la position auctoriale est alors partagée entre Marcelle Tinayre et ses personnages.

            Mais la polyphonie textuelle peut également apparaître au sein même d’une œuvre, entre différents auteurs. L’écriture peut alors être perçue comme une écriture à plusieurs mains et, dans le cas des œuvres qui nous ont été présentées Truander le réel, article de la revue « Parade » et Le Livre des Schlags écrit par le collectif « Scolopendre », comme des écrits collectifs et anonymes.

L’étude ici est axée autour de la sémiotique et de la stylistique et l’intervenante s’est demandée comment nous pouvions lire un texte et l’étudier quand il n’a pas d’auteur ou d’autrice à proprement parler. L’enjeu de ce travail est de montrer que ces deux œuvres, qui cherchent à dépasser les formes esthétiques classiques, ont une histoire littéraire et artistique et qu’elles se trouvent également liées à la politique.

            Ensuite, nous avons eu une intervention sur l’émergence d’un nouveau personnage en littérature au XXe siècle, la figure du traducteur fictif. Grâce à une écriture que l’on pourrait qualifier de « transgressive », la figure du traducteur gagne en visibilité. Jusqu’alors, dans une œuvre, le traducteur était une figure en marge, que l’on ne voulait pas voir, que l’on mettait de côté. Mais, au XXe siècle cette vision commence à changer puisque les études traductologiques voient le jour. A partir de ce moment, les traducteurs acquièrent une reconnaissance sociale et cela passe par la littérature puisqu’il y a une émergence du nouveau personnage du traducteur. Cette création littéraire est une forme de revendication.

Le personnage du traducteur en littérature se veut assez semblable à l’image qui est faite du traducteur dans la société. Dans la majorité des cas, les auteurs construisent des personnages fictifs marginaux, instables, et c’est cette marginalité qui souligne leur invisibilité. Cependant, dans la fiction, le personnage du traducteur est mis en avant. La littérature contribue donc à lui redonner l’importance qu’il mérite, à lui redonner de la visibilité et à lui enlever son critère de marginalité.

            L’écriture peut donc être transgressive dans la conception de nouveaux personnages, mais également dans sa forme même. En effet, le roman peut se vouloir engagé. C’est le cas notamment du roman-jazz qui est un roman social. Le travail de cette intervenante avait pour projet de montrer comment les romans de Vian, Kerouac et Cortazar s’approprient le jazz et en quoi ils constituent des romans sociaux à travers de nouveaux modes d’écriture.

            Ce panel nous permet donc de nous intéresser à de nouvelles formes d’écriture, qu’il s’agisse d’écritures polyphoniques ou d’écritures transgressives et nous montre que la figure de l’auteur n’est pas toujours aussi simple que l’on peut le penser. En effet, l’auteur peut être difficile à cerner et parfois même très complexe.

DERNIER PANEL

Le dernier panel « Limites du conscient, limites du réel », propose une exploration d’espaces littéraires aux frontières de la conscience. Les thèmes développés lors des différentes interventions sont souvent considérés comme relevant de la marge : le monde onirique chez des auteurs du XIXème siècle, l’expérience poétique de l’ivresse mise en scène par des poètes de l’Antiquité, occidentale et orientale, et enfin la notion de perte de repères face à des descriptions d’environnements imaginaires. 

La première intervention porte sur la représentation du cauchemar comme matériau littéraire chez deux auteurs du XIXe, E.T.A Hoffmann et Aloysius Bertrand. Pour ces deux auteurs romantiques, les espaces oniriques du rêve et du cauchemar sont propices à la création de nouvelles formes narratives. Ainsi, la riche vie intérieure des personnages de ces œuvres influence et modifie l’expérience réelle vécue. La frontière entre réalité et inconscient est donc extrêmement ténue. Visions, sons étranges, mauvais présages peuplent ces univers littéraires nourris de fantastique et construits sur la confusion. 

La seconde intervention traite quant à elle du lien entre sagesse et ivresse chez trois poètes de l’antiquité : Horace pour l’occident romain du Ier siècle avant Jésus-Christ, Li Bai et Omar Khayyam pour l’orient des VIIe et XIIe siècle de notre ère. Cette communication vise essentiellement à contrer un préjugé qui voudrait présenter le sage enivré comme une simple figure de jouisseur comique. Or, chez ces trois poètes, on découvre une véritable richesse philosophique et spirituelle, tant du côté de l’épicurisme pour Horace, du soufisme chez Khayyam et du taoïsme chez Li Bai. Enfin, il s’agit de montrer que ces poètes, par l’expérience de la poésie enivrée, se mettaient en scène et avaient une posture ambivalente, entre sérieux et liberté de ton, qui aurait peut-être contribué à les immortaliser. 

La dernière intervention de ce panel traite de la description d’environnements fictifs qui relèvent d’une réalité extérieure à notre propre représentation du réel. En effet, la question posée par l’intervenante vise à apporter une réponse à une anomalie première : puisque toute description est intimement liée à la culture dans laquelle nous évoluons, et qui influence notre langue, comment dire l’indicible, lorsque les mots pour le faire n’existent même pas ? En effet, décrire un environnement fictif, mais basé sur une réalité bien connue des lecteurs, ce n’est pas tout à fait la même chose que d’inventer une forme de vie totalement ex-nihilo par la seule force de l’imagination, et qu’il sera tout bonnement impossible d’appréhender. Finalement, le goût pour l’altérité ou l’exotisme n’a de sens que lorsqu’il nous apprend quelque chose sur les limites de notre propre réalité. 


Cette journée d’étude, particulière dans son organisation cette année en raison du contexte sanitaire lié à la COVID-19, a donc été une réussite. Pouvoir maintenir cette journée de manière numérique a demandé beaucoup d’organisation et de modifications de la part des différents groupes d’étudiants qui ont participé à son bon fonctionnement. Enfin, nous voulons remercier particulièrement Mme. Labbé, qui a supervisé l’organisation de cette journée, et qui a décidé de la maintenir malgré les contraintes, ainsi que tous les professeurs qui ont participé à cette journée et qui ont accepté de présenter les différents panels.


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